Visgrūtākās filmas, kuras joprojām vēlēsities skatīties

Autors Patriks Filips/2018. gada 9. marts 14:41 EDT/Atjaunināts: 2020. gada 20. marts 17:39 EDT

Lielākajai daļai cilvēku došanās uz filmām ir pārliecināts stresa mazināšanas veids - tas ir īpaši paredzēts, lai vismaz stundu vai divas reizes novirzītu mūs no mūsu pašu dzīves satricinājumiem. Protams, šī stratēģija laiku pa laikam var atslābt, jo dažas filmas vienkārši neļaus jums izslēgt smadzenes un pat vienu minūti izbraukt no pasaules.

Tas ne vienmēr ir slikti. Faktiski dažas no mūsu iecienītākajām filmām ir pagodinājušas savu nodomu izaicināt mūsu sirdi, prātu un patiesībā arī mūsu emocionālo stabilitāti. Dažreiz viņi izmanto mežonīgus zvērus, lai mūs nostādītu uz papēžiem; citreiz tas ir reālās pasaules briesmonis vai nemierīgs scenārijs, kas liek mums malā. Katrā ziņā dažas filmas vienkārši zina, kā aizraujošos, negaidītos veidos spiest mūsu stresa pogas - un mēs galu galā mīlam viņus par to. Šīs ir filmas ar vislielāko stresu, ko joprojām vēlēsities skatīties.



Bug (2006)

Vai atceraties, ka laikā Viljams Frīdkins režisēja vienu no visu laiku satraucošākajām filmām, un likās, ka nevienam tas nerūp? Tas bija 2006. gads, filmu sauca Bug, un iespējams, ka jūs par to nekad neesat dzirdējis. Tas ir kauns, jo ne tikai tas ir Bug iespiešanās, gandrīz nekļūdīgi izpildītā psiholoģiskā šausmu filma, tajā ir viena no izcilākajām Ešlijas Juddas karjeras izrādēm un izcilais pagrieziens no lielā Maikla Šenona.

Tomēr Bug kopš tā izlaišanas pārsvarā ir lidojis ar radaru desmit gadu laikā, galvenokārt tāpēc, ka diez vai tā ir justies laba lieta. Lielākā filmas daļa ir novietota neskartajā viesnīcas istabā un seko bojātai sievietei, kura pēc tikšanās ar laipnu kara vetārstu, šķiet, ir uz jauna sākuma robežas. Protams, šis veterinārārsts izrādās viens dziļi neskarts indivīds, un sekojošais ir drausmīgs nolaišanās kopīgā maldā, ko virza paranoja un izmisums - tāds, kas noteikti paaugstina asinsspiedienu par punktu, divus vai 10.

Frīdkins visu laiku uztur darbību saspringtu, padarot procesu papildu saspringtu, izmantojot ekspresionistisku apgaismojumu, lai paaugstinātu garastāvokli, fotografējot savas zvaigznes invazīvos, neplīstošos tuvplānos un atspoguļojot nedaudzas ķermeņa šausmu ainas, kas liktu Deividam Kronenbergam sadurt. Bug pēc būtības ir kino ekvivalents, ja pāris stundas pamperīsit neapstrādātu nervu, taču tas ir sāpju vērts - un jūs joprojām vēlēsities skatīties.



Septiņi (1995)

Kad Septiņi devās uz teātriem jau 1995. gada rudenī, pasaule vienkārši nebija gatava savai drūmajai morālei vai nerimstoši drūmajam sižetam, kas pavadīja šo šokējošo stāstījumu, un tas noteikti nebija gatavs šo stāstījumu uztvert kā spogulis tās morālajiem un sabiedriskajiem pārmērībām. Nē, pasaule nebija tam gatava Septiņi1995. gadā, bet sasodīti, ja mēs joprojām neiestātos troves, lai pagrieztu cauri Deivida Finčera bēdu simfonijai.

noziedzīgu prātu straumēšana

Tas ir nedaudz pārsteidzoši, ņemot vērā Septiņi atveras uz nepārprotami izdarīta pieraksta un tikai ar katru nākamo šokējošo mirkli kļūst pamests, izmisis un, galvenokārt, stresains. TomērSeptiņiir tik smalki konstruēts, obsesīvi izpildīts un prasmīgi rīkots (filma ir gan Brada Pita, gan Morgana Freemana akcents), ka - pat visnotaļ šausmīgi - ir gandrīz neiespējami negribēt, lai to visu skatītos.

Neatkarīgi no tā SeptiņiTas ir obsesīvs raksturs, jo mēs visi esam soda mēri vai tāpēc, ka mēs patiešām vēlamies iet pusdienās un iedzert kafiju ar Morganu Freemanu, Finčera mežonīgā bezjēdzīgā fantāzija joprojām ir viena no visu laiku skatītākajām filmām. Tas arī nozīmē, ka mums, iespējams, pietrūkst jēgas.



Smieklīgas spēles (1997. vai 2007. gads)

Maikls Haneke ir viens no tiem filmu veidotājiem, kurš priecājas, ka atrod jaunus veidus, kā likt auditorijai nospiest panikas pogu. Haneke filmogrāfijas demonstrēšana ir tāda pati kā psiholoģiskā stresa testa veikšana, kurā jūs saņemat elektrošoku kā abus atlīdzību un sods par katru redzēto filmu. Vienkārši sakot, mīlēt Hankes darbu ir atklāti atzīt, ka esat kļuvis atkarīgs no šoka, un tas ir sava veida filmas veidotāja viedoklis.

Lai arī kā jūs jūtaties par Haneke, režisors neapšaubāmi uzsvēra savu talantu, lai uzsvērtu mūs līdz malai, kad viņš atveda Smieklīgas spēles uz teātriem. Filmas savīti stāsts par diviem vardarbīgu, labi izglītotiem sociopaths lietojat pārtikušo ģimenes ķīlnieks un spīdzina tos bez redzama iemesla, ir pietiekami, lai sviedri uz pieri un ikviens ar impulsu. Tomēr kā Smieklīgas spēles Haneke paaugstina stresa līmeni, bieži uzskatot, ka auditorija ir iesaistīta vardarbībā, jo mēs esam tie, kas to vēlas skatīties.

Katra apsūdzība nāk gandrīz par uzdrīkstēšanos filmu izslēgt. Neatkarīgi no tā, vai jūs to darāt vai nē, Haneke joprojām izbauda skatītāju pārmācīšanu, lai būtu aculiecinieks pat sekundi no tā. Patiesībā tik daudz, ka kad Holivuda sāka plānot pārtaisīt angļu valodā, pats Haneke parakstīts, lai vadītu, šķietami greizs, domājot atkal nospiest šīs konkursa pogas. Lai būtu skaidrs, Smieklīgas spēles ir tikpat brutāla un nepiedodama angļu valodā kā vācu valodā, un mēs joprojām neesam pārliecināti, kāpēc mēs jutāmies tik spiesti to redzēt abos.



Māte! (2017)

Runājot par režisoriem, kuriem patīk nospiest mūsu pogas, aplaudēsim kārtu Darenam Aronofskim! Tie, kas uzskata sevi par dievbijīgiem Aronofskijiem, ir gaidījuši, ka redzīgais filmas veidotājs pārspiež stāstījuma, intelekta un diezgan bieži morāles robežas. Joprojām nekas nav iekšārežisora ​​kniedēšanas divatā būtu varējuši sagatavot mērķauditorijas robežas ugunsbombardēšanai, kas bija Aronofsky 2017. gada piedāvājums, māte!

alyssa sutherland

Filma, kas atrodas klusā un vientuļā lauku mājā, seko līdzi cīnītājam dzejniekam (Havier Bardem) un viņa jaunajai sievai (Jennifer Lawrence), kad viņi mēģina rakstīt un pārveidot. Mierīgo eksistenci iztraucē negaidītu viesu ierašanās - un, kad tas ir traucēts, lietas diezgan ātri iziet no rokām.



Saprotiet, ka ar jēdzienu “no rokas” mēs patiesībā domājam “pilnīgi ķeizarus tādā veidā, ka neviens saprātīgs cilvēks to nevar sajust”. Kā māte! virza sevi uz savu šokējošo, bet neizbēgamo finālu, mirkļi, kas mūs tur ved, nāk ar pastāvīgu, drudžainu priekšteča pacilāšanu. Kā tāds skatoties māte! ir ļoti stresa pilna lieta. Tas arī ir emocionāli nosusinošs, un tas, iespējams, ir novedis pie tā filmas kases problēmas.

Tomēr, ja neesi solis iekšāmāte!Tā nav tik pazemīga pavarda, ka jūs, iespējams, justies satraukts pieslēdzaties šai dziļajai, ieskaujošajai mazajai filmai gandrīz par spīti tās toksiskajai, ar nodokli apliekamajai tēmai. Bet debesu labad, ja jūs ieejat iekšā, nesēdiet uz šīs izlietnes, jo tā patiešām vēl nav piestiprināta.

Apbedīts (2010)

Lielā savas agrīnās karjeras laikā doma par Raiena Reinoldsa nopietnu uztveri kā aktieri vienkārši likās smieklīga. Pat viņš ir mēģinājis iet taisni tādās filmās kā Amitvilas šausmas un Smokin 'Aces, bija grūti aizmirst to bezrūpīgo doofu, kādu viņš spēlēja tādos nosaukumos kā Van Vilders. Viss, kas jāsaka, ka daudzu filmu skatītāju viedoklis par Reynolds kā aktieri uz visiem laikiem tika mainīts pēc tam, kad viņš redzēja viņa nervu sagraujošo 2010. gada mikrobudžeta trilleri Apbedīts.

Kas tik īpašs Apbedīts, tu jautā? Sākumā filma notiek vienā vietā, un ekrānā parādās viens aktieris. Atrašanās vieta ir zārks, kas apbedīts kaut kur Irākas tuksnesī. Reinoldss ir vienīgais aktieris - un, jā, viņš ir apbedīts zārka iekšpusē. Tātad sākas paniku izraisošā darbība Apbedīts.

Kaut arī panikas izraisīšana varētu būt pārāk zema. Ja esat klaustrofobisks, sēdiet cauri Apbedīts ir ļoti līdzīgs 95 minūšu nemiera uzbrukumam. Ja nebaidāties no slēgtām telpām, Apbedīts ir joprojām līdzīgi kā pakļaut sevi 95 minūšu trauksmes lēkmei. Tomēr, ja jūs uzdrīkstaties izturēt šo klaustrofobisko teroru, jūs tiksit apbalvots ar augstvērtīgu trilleri ar dažiem gudriem līkločiem, dažiem pārsteidzoši ieskaujošiem komentāriem par Irākas “pēckara” stāvokli, un jā , iespaidīgā dramatiskā izrāde no Raiena Reinoldsa, kurš pat ne reizi neglābj un nelauza trešo sienu.

127 stundas (2010)

Filmās bieži vien ir precīza robeža starp nepietiekamo un pārāk daudz. Kaut arī lielākajā daļā šī saraksta filmu ir pārāk daudz un visos labākajos veidos, tomēr dažas izstumj šo robežu tik tālu, cik vien iespējams.127 stundas. Filma ir balstīta uz neticami patieso stāstu par kaislīgu alpīnistu, kurš spiests nocirst sev roku pēc nokļūšanas slazdā zem klints, un tas ir satraucošs pētījums par viena cilvēka nesatricināmo gribu dzīvot.

Jā, šis stāsts ir tikpat iedvesmojošs, kā jūs domājat, bet tas ir arī diezgan saspringti - ja ne pat šausminoši - skatīties. Kad beidzot pienāk brīdis, kad jānovērš ieslodzītā ekstremitāte, režisore Danny Boyle nenovirzās no asiņainā, dzīvību glābjošā akta, bet gan drīzāk aptver šo mirkli tā, lai tuvotos reālās dzīves drāmas ekspluatatīvajai izjūtai, nedomājot par to diezgan pāri ekspluatācijai.

Tā ir ainava, kas liek aizvērt acis un ausis un saritināties bumbiņā, līdz tā ir beigusies. Tas nav tikai stresa, tas ir absolūti satraucošs, bet pat tad, kad tas notiek, jūs atradīsit sev tādu, kas vēlas skatīties drausmīgo darbību ... jo filma lielāko daļu (kurā vislabāk redzams karjerā Džeimsa Franko sniegums) tiek pavadīta miesā ārā cilvēks aiz stāsta. Tā kā mēs patiesi rūpējamies par dzīvi, kas ir saistīta ar šo roku, šis mirklis drīzāk kļūst par dzīves svinībām nekā par nožēlu, pat ja tas vairākus mēnešus vajā jūsu atmiņu pēc tam, kad esat tam liecinieks.

Zem ādas (2013)

Dažreiz ir grūti precīzi noteikt, kas tas ir par filmu, kas jūs izceļ. Džonatana Glazera gadījumā Zem ādas, to ir daudz vieglāk izdomāt, jo atbilde ir burtiski viss. Filmas fotogrāfija, mūzika, aktiermāksla, skaņu dizains un montāža šķiet īpaši izstrādāta ar vienu mērķi - visu skatītāju noturēt uz malu, un viņi to arī dara. Rezultāts ir izaicinoša, dziļi satraucoša filma, kuru jūs patiesībā neskatāties tik daudz, cik piedzīvojat.

Jā, tā bieži ir diezgan stresa pilna pieredze (pludmales ainava plkst Zem ādasPuslaiks ir tik emocionāli sods, ka ir gandrīz fiziski sāpīgi iziet cauri), bet tas ir arī dziļi saistošs. Zem ādas ir tik smalks savā strukturālajā izveicībā, toņu maiņās un stāstījuma ambīcijās, ka filma faktiski hipnotizē skatītājus ieiet tās slīpajā tumsā, kad tiek apskatītas sarežģītas identitātes tēmas, ārpuszemes morāle un tas, ko nozīmē būt cilvēkam.

Šīs izpētes centrā ir vienīgā dīvainā (un, iespējams, spēcīgākā) Skārletas Johansones karjeras izrāde. Jo mazāk teikts par šo sniegumu, jo labāk. Vienkārši zināt, ka, piemēram Zem ādas pats par sevi tas darbojas vislabāk, ja jūs zināt pēc iespējas mazāk ieejas. Ziniet arī to, ka, ja piedzīvojat stresu Zem ādas, tas tikai nozīmē, ka tas darbojas.

Orville Hulu

Ienaidnieks (2013)

Zem ādas nebija vienīgā 2013. gada filma, kas bija apsēsta ar jautājumiem par identitāti un cilvēka stāvokli. Denisa Villeneuve trofeja Doppelgänger Ienaidnieks faktiski tajā pašā gadā notiek līdzīgi eksistenciāli dziļi ūdeņi - tikai Villeneuve izvēlējās izteikti personīgāku pieeju dramaturģijai. Pielāgots no eksperimentālā portugāļu romāna autora Žozē Saramago romāna, Ienaidnieks seko vidusmēra vīrieša, kura vidusmēra dzīve tiek mainīta, kad viņš filmā pamana savu precīzo dubultnieku.

Ja šī iestatīšana izklausās nedaudz dīvaini, labi, jums jāzina, ka Saramago tikai sasilda. Turpmāk ir izteikts, stresains, akūti novērots identitātes un mūsdienu izolācijas pētījums. Tas, kurš Džeiku Gyllenhaālu uzskata par labāko formu, spēlējot divkāršās lomas, un Deniss Villeneuve sāk ķircināt stāstījuma uzdrīkstēšanos, kas gadu gaitā kļuvis par viņa preču zīmi.

Ciktāl IenaidnieksStāstījums iet uz priekšu, zirnekļi izceļas pamanāmi, un tas nozīmē, ka to vērojot ir iesaistīts diezgan daudz zirnekļveidīgo angšu. Filma ir arī izplatīta ar metaforiskiem tīkliem, kas, nevis mēģina atvienoties, Villeneuve mēģina pastiprināt un ievilkt skatītājus tālāk lipīgajā, nāvējošajā centrā. Šī taktika paliek pareiza līdz filmas paniku izraisošajam pēdējam brīdim. Kā, Ienaidnieks ir viena no tām retajām filmām, kas ir pietiekami stresainoša, lai tikai skatītos, un vēl jo vairāk pēc tam, kad kredīti ir pierimuši un jūs esat iestrēdzis, mēģinot saprast, kas pie velna tikko notika.

Nolaišanās (2005)

Mūsdienās kļūst arvien grūtāk izveidot lielisku šausmu filmu, kas patiesībā biedē cilvēkus. Kas padara Neil Marshall's Nolaišanās tik īpašs ir tas, ka tā nav tikai lieliska šausmu filma - patiesībā tās ir trīs, un tās visas nobiedēs elli no tevis. Filma tiek atvērta kā saprotoša psiholoģiska drāma un pārvēršas klaustrofobiskā caving murgā, pirms kļūst par pilnasinīgu, asiņu un zarnu radības iezīmi.

Var likties, ka filmā notiek mazliet par daudz un lielākajai daļai filmu tas droši vien ir taisnība. Ne tā Nolaišanāstomēr. Kad izvēršas Māršala pasaka par sešiem aizraujošiem draugiem, kas dodas uz lemtu alas ekspedīciju, režisors nekad neatradīs īsto brīdi, lai paceltu likmes uz priekšu un mainītu stāstījumu. Viņš to dara tik prasmīgi, ka šie atšķirīgie sižeti nemanāmi ieplūst vienā neizsakāmi brutālā stāstījumā, kas šokē sistēmu, vienlaikus sagraujot tavu sirdi asiņainajiem sīkumiem.

Tie no jums, kas baidās no tumšām, norobežotām telpām, bīstamiem emocionāliem iespīlējumiem - un, um, asinīm izslāpušiem, alā dzīvojošiem radījumiem - atradīs Nolaišanās būt pati stresa definīcija. Tomēr, ja jūs varat rīkoties pats ar sevi gan Zemes, gan cilvēka sirds dziļajos, tumšajos padziļinājumos, jūs, iespējams, atradīsit šausmu filmu paradīzi Nolaišanās'' piķa melnā '' šķīstīšana.

Kriša (2016)

Ja Nolaišanās jūtas kā strādā ar svēto šausmu filmu stāstījumu triloģiju, Treijs Edvards Šults sniedza tikpat satraucošu triloģiju savam stingrajam psiholoģiskajam trillerim, Kriša. Šulca filma, kas atrodas mājoklī, kas atrodas atsevišķi sagrauztā ģimenē, piepilsētas mājsaimniecībā, uzņem vienas daļas sarežģītu ģimenes satricinājumu, pievieno atklātu svētku satricinājumu un pārkaisa šo maisījumu ar lielu atkarības drāmas devu, lai izstrādātu perfektu, melnu un melnu kinematogrāfiskais suflē, kurā daži kritiķi to uzskatīja par “kinematogrāfisks panikas lēkme'pēc atbrīvošanas.

Šī saspringtā suflē izkausētajā centrā ir izstāde no Krisha Fairchild, kura attēlo nominālo raksturu ar vienādām daļām trauslumu un tiešu draudu. Kā Kriša atveras, viņas stāstā tiek apskatīta atpestīšanas un piedošanas pasaka, taču, progresējot ģimenes Pateicības dienai, kļūst skaidrs, ka dažas brūces lēnām dziedē. Diena ātri izšķīst kaustisku skatienu un nokodušu vārdu parādē, un līdz ar to nemiers nerimstoši spriež līdz katla viršanas drudža skaņai, kuru jūs tomēr kaut kā vēlēsities noskatīties.

Kad tas beidzot būs beidzies, sacīsim, ka viņu dzīve nekad nebūs tāda pati. Tavs, iespējams, arī nē. Kriša ne tikai piegādā šo “kinematogrāfiskās panikas lēkmes” etiķeti, bet arī rada tāda veida satraukumu, kas, iespējams, ļaus jums gavilēt, kad būs apgrozībā kredīti. Labā veidā.

mazuļa šoferis jd

Teksasas motorzāģa slaktiņš (1974)

Reizēm filma var izraisīt stresu ne tik daudz tās satura dēļ, bet gan satura pasniegšanas veida dēļ. Teksasas motorzāģis Slaktiņš nenoliedzami ir satraucošs, pamatojoties tikai uz tā saturu - filma ir par piemājas ģimenes ģimeni, ar kuru valkā kanibāļus, kuri slazdo, spīdzina un cenšas slepkavot / apēst nenojaušo pusaudžu grupu, galu galā, un tas ir asiņains, brutāls bizness , lai būtu drošs. Tādu, kurā pat šausmu fani būtu uz vietas. Tas arī notiek ļoti brīvi, balstoties uz patiesu stāstu.

Šī pēdējā informācija ir tāda, kas tik daudziem ļaudīm atlaiž, kad viņi apsēžas, lai noskatītos Tobe Hūpera makšķerīgo šedevru, taču tas ir veids, kā Hūpers prezentē asinspirts, kas ir stresains lielākajai daļai skatītāju. Nofilmēts uz drūmo, 16 mm filmu un ar lielākoties neprofesionāliem aktieriem Teksasas motorzāģa slaktiņš bieži jūtas vairāk kā dokumentāls, nevis kā grotesks šausmu fantastikas darbs.

Šī hiperreālistiskā sajūta bija cinkojoša ietekme uz auditoriju kad Hūpera filma nonāca teātros 1974. gadā, un tā joprojām ietekmē šo auditoriju mūsdienu laikmetā - tomēr mēs joprojām vēlamies noskatīties šo polarizējošo darbu, kurā daudzi atpazīst Teksasas motorzāģa slaktiņšvisu laiku izcilākā šausmu filma.

Gravitācija (2013)

Kas atlicis pateikt par Alfonso Cuarón's Oskara laureāts baltais klauvējs, par kuru vēl nav teikts? Kūarona stresainais kosmosa trilleris pirmajās piecās minūtēs visu sadusmo un kaut kā izdodas saglabāt panikas skarto intensitāti visu sekojošo 85 laikā.

Tāpat kā haosā iekļuvušais astronauts (Sandra Bullock Oskara nominētajā pagriezienā), tā milzīgā, dzenošā enerģija, kas virza Smagums atstāj nary sekundi domāt vai pat elpot. Drīzāk Smagums ir filma, kurai esat spiests reaģēt viscerālajā līmenī. Un jūs reaģēsit viscerālajā līmenī, jo Kuarons savā kino arsenālā izmanto katru rīku (skaņa, telpa, mūzika, efekti, rediģēšana utt.), Lai jūs pievilinātu un radītu sajūtu, ka esat nokļuvis vidusdaļā. darbības.

Filmas būtība ir tāda, ka jūs uz to reaģējat arī emocionālā līmenī. Ieskaitiet Kārona un viņa brāļa Jonasa skuvekļa scenāriju, kas Bulloka astronautam iebūvēja pietiekami detalizēti, lai mums rūpētos, vai viņa atrod ceļu mājās, un tikpat asu Bulloka izrādi par varoņa nepabeigto malu sakārtošanu, lai viņa justos autentisks. Šis sajaukums palīdzēja izveidot Smagums viena no emocionāli nogurdinošākajām un emocionāli visizdevīgākajām filmām, kuras jūs kādreiz vēlēsities skatīties.